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Crítica: Wunderhorse "Midas"

Por lo mismo que nos ha ocurrido con Knocked Loose, ahora que estamos haciendo balance ante el inminente cambio de año, me resisto también a dejar de escribir sobre un disco que he estado escuchando en bucle durante los últimos cuatro meses, más si tenemos en cuenta que me enviaron promo y me gustó tanto como para darle de nuevo la oportunidad a su debut, “Cub” (2022). Y es que el nuevo proyecto de Jacob Slater ha crecido de manera sustancial en dos años, pudiendo haberse anclado en su primer álbum, “Midas” (2024) supone un auténtico chute en el que Slater decide echar el resto e incluir todas sus influencias; en su chulería y voz, en su fraseo o su guitarra hay ecos de Dead Pretties pero también Queens of The Stone Age, Iggy Pop y toda la herencia indie y rock inglesa en su aguardentoso tono. Cuando suena “Midas”, sabes que hay tanto carácter como para que una única canción se convierta en la bandera de tu segundo álbum; la batería seca de Jamie, el bajo vibrante de Peter y la sensación de estar escuchando una nueva versión de “Passenger” interpretada por una banda fresca y repleta de vida. Wunderhorse es ya una banda de pleno derecho y no tanto el proyecto de Slater.

Así, nos llega “Midas” (2024), un álbum en el que dejan también muy atrás cualquier etiqueta posible para convertirse, simple y llanamente, en una banda de rock, con un single tan incontestable como la propia “Midas” y Slater cantándola con chulería, como un cruce entre el mencionado Homme y Dylan, en el retrato de un monstruo corporativo, un auténtico psicópata que olvidamos gracias al bajo de Peter en “Rain” o la rabia con la que el propio Slater escupe ese “estoy listo para morir” en la desgarradora “July”, en pleno apocalipsis emocional, evocando el desagarro más puro de los noventa, algo que no escuchaba desde hace mucho tiempo; esa fórmula tan sencilla de bajo y guitarra, mientras la voz parece sobrevolar la mezcla y Slater atrapado en ella, exorciza sus demonios. Esos mismos que lo atormentan en “Emily”, en un álbum en el que incluso las canciones más lentas suenan narcóticas y cargadas de atmósfera. Nadie puede dudar de la influencia inglesa en una canción como ”Emily” pero tampoco la de las guitarras, un auténtico diez. Algo que constatan con “Silver”, mucho más ligera (que no insustancial) o “Arizona”, como un cruce entre los primeros Smiths y R.E.M. de “Murmur” (1983), sazonados con los riffs gruesos del rock alternativo.

“Superman”, aunque introspectiva, es la catarsis del álbum cuando Wunderhorse parecen en completo trance y Slater susurra lo mucho que desearía mostrar su poder, como metáfora del potencial de una banda que, sin duda, puede llegar a mucho más. “Cathedrals” confirma la querencia por los noventa con esa guitarra saturadísima, mientras que “Girl” nos recuerda de nuevo al genio que es Stipe y “Aeroplane” cierra “Midas” de manera acústica. Slater es un gran compositor, con capacidad para escribir letras de capacidad evocadora en un par de pinceladas y la genialidad de cantar con intimismo pero también con la socarronería de Bolan o Pop en sus singles. Es cierto que todavía es pronto y el negocio de la música puede resultar harto cruel, pero ya quisieran muchas bandas un segundo álbum tan generoso como este. Una banda para tener en el foco, desde luego que sí.

Crítica: Knocked Loose "You Won’t Go Before You’re Supposed To”

El tercer álbum de Knocked Loose, “You Won’t Go Before You’re Supposed To” (2024), es el clásico ejemplo de disco que ha causado un hype tan terrible que a algunos nos resulta tan insoportable que preferimos mirar hacia otro lado hasta que pase un poco la fiebre y podamos escucharlo sin que nuestra opinión se contamine. Pero, por otro lado, ahora que el año comienza a despedirse, resulta del todo imposible no dejar por escrito lo que siento ante un disco que combina metalcore con una brutalidad tan implacable que, a veces, uno llega a olvidar el maldito subgénero y a la caterva de esnobs que ensalzan el álbum en redes y claman por colocarlo en una posición que no le corresponde. La banda, originaria de Louisville, Kentucky, lleva más de una década perfeccionando su estilo, y en este trabajo demuestra una clara evolución, si bien sus dos primeros álbumes, “Laugh Tracks”(2016) y “A Different Shade Of Blue” (2019), mostraron su capacidad para darte un buen puñetazo en el estómago, este nuevo disco los sitúa en lo más alto de la clasificación del metalcore moderno, allá donde comienzan a desdibujarse las etiquetas, sin tener que recurrir al fuera de juego.

Desde el primer instante, el álbum impacta con una intensidad incontestable. “Thirst” abre con una atmósfera sombría, hasta que entran los blast beats y capas y más capas de retroalimentación que parecen invocar primitivos riffs con Bryan dejándose la voz sobre ellos, sentando las bases de un álbum en el que cada pista parece llevarte a un grado mayor de intensidad, perfeccionando el equilibrio entre la agresión más brutal y una producción de precisión quirúrgica, obra de Drew Fulk, en la que son tan importantes las tormentas de Knocked Loose como los silencios para crear la tensión y acrecentar ese golpe en las entrañas. Canciones como "Piece by Piece", con Kevin sentando cátedra en la batería, la mencionada “Thirst” o "Don't Reach for Me" nos traen a una banda en la cima, con Garris fuera de sí, e Isaac Hale y Nicko Calderon afilando sus mástiles con chirriantes riffs y fraseos, además de ayudar en las tareas vocales, aumentando de manera exponencial el poderío de unas canciones que, como "Moss Covers All" y mi favorita, "Sit & Mourn", poseen todo lo que los amantes del metal extremo necesitamos para seguir soportando el día a día; cortantes solos, pausas extremas entre pasajes instrumentales que a veces parecen rozar el industrial y unas letras en las que Knocked Loose parecen ahondar más que nunca en esa melancolía, desolación y frustración tan recurrentes.

Poppy se rompe la garganta en "Suffocate", con esa mezcla suya tan característica de gritos y susurros, mientras que Chris Motionless (aunque nunca será santo de mi devoción) colabora en "Slaughterhouse 2", aportando más diversidad a “You Won’t Go Before You’re Supposed To” (2024), un álbum que, pese a no inventar la rueda, presenta sus ingredientes de una manera tan original que, te guste o no el metalcore, da un paso más allá, haciéndolo sentir un disco innovador, que no dejará indiferente a nadie; ni a esos que ya peinan canas y creen que siguen siendo jóvenes, ni a esos otros con olor a rancio que creen que todo acabó con Gojira o Meshuggah. La experimentación sonora se extiende a lo largo del álbum, con pequeños efectos y texturas que intensifican la sensación de inquietud. En lugar de caer en un enfoque monótono, Knocked Loose demuestran su habilidad para mantener el interés del oyente a través de transiciones inesperadas y construcciones atmosféricas, siendo este enfoque el que eleva el álbum más allá de un metalcore genérico, ofreciéndonos un proyecto que se siente tanto orgánico como fresco. Knocked Loose han hecho los deberes y progresan adecuadamente, el hype está más que justificado.

Crítica: Cemetery Skyline "Nordic Gothic"

Cuando los miembros de Dark Tranquillity, Dimmu Borgir, Amorphis, Omnium Gatherum y Sentenced se juntan para grabar un álbum de rock gótico, es imposible que pase desapercibido y es que Cemetery Skyline promete ser un vibrante proyecto, al que únicamente amenaza la lógica fragilidad de estos súper grupos a los que sólo el tiempo y la continuidad son capaces de plantar cara. “Nordic Gothic” (2024) es rock gótico, por supuesto, contundente pero pegadizo, con guiños a Sister of Mercy, Type O Negative, The Cult y Fields of Nephilim e incluso The Cure o Depeche Mode, (aunque a estos últimos no debamos categorizarlos como góticos, pero sí el romanticismo y la oscuridad de su estética) y es quizá esta mezcla la que nos asegure un toque más duro, teniendo también en cuenta el pedigrí de estos músicos, mezclada con la accesibilidad de los últimos, de los que Stanne siempre ha declarado seguidor, sin ambages. Canciones como la inicial “Torn Away”, repleta de dramatismo, o “In Darkness” (con un solo magnífico) sintetizan a la perfección ese cóctel de influencias en el que Mikael Stanne brilla con luz propia, alejado por completo del death y desplegando sus alas hacía el frío goticismo del que este álbum hace gala, mostrando su maestría en las tareas vocales, mientras Markus Vanhala (Omnium Gatherum, Insomnium) logra la alquimia perfecta en los riffs de las canciones, recordándote a la melancolía de las bandas que forman su currículo.

El encanto ochentero impregna todo el disco, dobles voces repletas de fuerza, con tendencia a los tonos graves, más cercanos al de un barítono que al desgarro del death, con Victor Brand marcando el tono sombrío que adorna Santeri Kallio y clava Vesa Ranta en canciones como “Behind The Lie”, repleta de azúcar pero también de maestría, o la solidez de composiciones como "Never Look Back" y "Anomalie", quizá menos evidentes pero capaces de crecer en sucesivas escuchas, aunque mis favoritas sean “The Coldest Heart” o la final “Alone Together”. La primera por sus ecos a Faith No More y el excelente trabajo de la banda con Stanne a la cabeza, explorando nuevas texturas en un medio tiempo más propio de los noventa y la segunda por jugársela en más de siete minutos con valentía, recordando la tristeza otoñal de Type O Negative, gracias a la magia de Kallio y el paisaje dibujado con su sintetizador.

“Nordic Gothic” (2024) posee la capacidad de hacerte creer que es una banda sonora, como si cada canción contase la parte de una historia y tú tuvieras que dotarle de significado; hay riffs memorables, emociones, subidas a los cielos y terroríficas bajadas a los infiernos emocionales con una producción cuidadísima de la que hacen gala a lo largo de todo el disco (basta escuchar con detalle una canción como “Violent Storm”), que denota el cuidado de Cemetery Skyline en cada uno de los aspectos de un disco que, por momentos, suena mucho más maduro que los últimos lanzamientos de sus respectivas bandas, algo que se siente también en las letras y los temas que tratan, y en el que hay una toma de distancia intencionada de la caricatura gótica musical para intentar rejuvenecer su fórmula y lograr que, a pesar del homenaje, siga sonando actual. “Nordic Gothic” (2024) es un gran álbum que invita a la reflexión. Puede que no sea el disco que quieras escuchar para comerte el mundo, pero sí para lamerte las heridas por la noche. Un vibrante ejercicio por parte de una banda en la que el talento es derrochado con verdadera generosidad.

Crítica: Crippled Black Phoenix “The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature”

Para celebrar sus dos décadas de trayectoria, Crippled Black Phoenix presentan un recopilatorio que combina regrabaciones y un segundo álbum de versiones. “The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature” (2024) reúne nuevas interpretaciones de material previamente grabado, como "Goodnight, Europe", la primera canción escrita por Justin Greaves, mientras que el disco "Horrific Honorifics Number Two (2)" rinde homenaje a esas canciones que influyeron a la banda, procedentes de artistas tan diversos como Fugazi, New Model Army, NoMeansno, Built To Spill o Deep Purple, con resultados desiguales pero siempre interesantes y es que siempre tendremos en nuestra cabeza las versiones originales de esos artistas de referencia, aunque Crippled Black Phoenix se hayan esmerado en hacer suyas canciones que no son tan obvias. Quizá sea cosa de Justin Greaves y Belinda Kordic, y su ecléctica experiencia como músicos pero también como oyentes que “The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature” (2024) luce como una colección que abarca desde "Goodnight, Europe" (2007) hasta canciones reelaboradas a las que insuflan nueva vida y, por tanto, no se siente como un recopilatorio al uso; hay momentos en los que fragmentos de sus canciones se extienden o desaparecen por completo, mientras que otras se reescriben abiertamente, mostrando el espíritu audaz e inagotable de Crippled Black Phoenix.

Y es que, desde sus inicios, han sido conocidos por desafiar cualquier género, revistiendo sus canciones con una imaginería que tiene como eje el apoyo a los oprimidos, ignorados y marginados, con un activismo que trasciende su música, ya que sus integrantes participan activamente en causas reales y así lo comparten, siendo quizá esa intensidad la que también se refleja en su música, impregnándolo de lucha y la constante búsqueda de superación. "We Forgotten Who We Are", el tema que abre "The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature", es un corte lento y reflexivo de más de once minutos, aunque no parece tan extenso al escucharlo, gracias a la pericia de la banda para dotarla de un sentimiento orgánico. Con aullidos de lobos y risas maníacas en su inicio, la canción avanza hacia un riff hipnótico, cargado más de emociones que de peso musical, para concluir de manera más energética y caótica. Entre lo más destacado, "444", por un marcado carácter antirreligioso que se refleja tanto en su profundidad conceptual como en las múltiples capas de piano y sintetizador que la componen, evidenciando de nuevo el magnífico trabajo de la banda, la larguísima “Song For The Unloved” que conforma el cuerpo central del álbum con sus catorce minutos de plena tormenta, repletos de épica, tras el interludio “(-)”. “Goodnight, Europe (Pt2)” luciendo chapa y pintura completamente nuevas y, mi favorita, “You Put The Devil In Me”, mientras que "Blizzard Of Horned Cats" cierra el álbum con un ambiente envolvente y riffs contundentes, culminando en una mezcla de sonidos dramáticos, cinematográficos y estáticos que mejoran la experiencia de semejante colección.

Suele ser habitual que los recopilatorios se publiquen como mero relleno entre discos, pero este no es el caso aquí. Las versiones, con el sello inconfundible de Crippled Black Phoenix, son disfrutables, pero las regrabaciones revitalizadas de “The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature” (2024) son el verdadero meollo de este lanzamiento (es por eso que no reseño las versiones de otras bandas incluidas en el otro volumen), cuando sus reinterpretaciones difieren tanto de las originales que se sienten como música completamente nueva. Este doble lanzamiento no solo destaca por la naturaleza visionaria de Crippled Black Phoenix, sino también por su habilidad para fusionar rock progresivo, doom y goth rock, convirtiéndose en algo mucho más que un simple recopilatorio con el que saquear los bolsillos de sus seguidores, ojalá que la banda siga adelante por muchos años y no tarde en sorprendernos con material inédito, es lo menos que nos merecemos.

Crítica: Thy Catafalque “A gyönyörű álmok ezután jönnek”

No descubriré ningún secreto, Thy Catafalque me gustan bastante más que la media de bandas actuales y sigo considerando un genio a Tamás Kátai, además creo no equivocarme demasiado si afirmo que “XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek” (2024) es superior a "Geometria" (2018), "Naiv" (2020), "Vadak" (2021) y "Alföld" (2023), a la altura de "Meta" (2016), como si Kátai se hubiese quitado por completo cualquier tipo de complejo musical y esas influencias de las que siempre ha hecho gala, junto con los diferentes invitados que pueblan la canciones de este álbum que nos ocupa (que traducido sería algo parecido a “los hermosos sueños están aún por venir”) anunciasen un futuro vibrante para Thy Catafalque cuando mezcla miles de elementos sin perder la identidad, sin que suene como un pastiche. Algo que no carece de mérito cuando este álbum está repleto de músicos como Jo Quail, Martina Veronika Horváth, Gábor Dudás o Edu Giró, casi una treintena de artistas que ayudan a Kátai, quien siempre tuvo la acertadísima idea de tratar a Thy Catafalque como un proyecto camaleónico en el que cualquier artista que tenga el talento suficiente para colaborar y sea de su gusto tiene cabida. Pero, ¿es Kátai capaz de darle cohesión a semejante álbum cuando suena un violonchelo, un oud, una baglama o un bouzouki? Sí, por supuesto que sí, “XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek” (2024) es caleidoscópico, una comida especiada con sabor exótico pero en la que reconoces su sabor, un álbum ecléctico y salvaje, incapaz de dejar indiferente a nadie, y tan mágico como para gustar a cualquier seguidor del metal extremo, del progresivo, rock o incluso música electrónica gracias a sus texturas.

La hipnótica voz de Martina Horváth en “Piros kocsi, fekete éj”y “Lydiához” (de Sebő-együttes) suenan magníficas, exultantes, actuales y complejas en el sonido del húngaro, como si quisiera invocar la riquísima influencia y el crisol de culturas que forjaron su tierra, “XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek” (2024) suena inevitablemente europeo (entendiéndose esto como un piropo, claro está), pero es que es imposible no sentir los ecos de la vieja Europa en “Lydiához”, esa canción basada en los versos de Horacio, o ese regalo que es “Babylon”, un homenaje también a la banda Omega, versionando la canción, que estoy seguro que hará vibrar a cualquier húngaro que viviese los ochenta, cuando Thy Catafalque le dan más cuerpo. Gábor Dudás lo borda en “Nyárfa, nyírfa”, como la etérea “Ködkirály” gana cuando es transformada en doom de alto octanaje en su segunda parte, mientras la directa “Aláhullás” recuerda a los Thy Catafalque de siempre y Kátai nos vuelve a deslumbrar con “A gyönyörű álmok ezután jönnek”, una de mis canciones favoritas de este álbum, además de poseer un interesantísimo videoclip.

¿Qué más se puede pedir? “XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek” (2024) es un grandísimo disco, nacido de la exquisita mente de Tamás Kátai que, sin dejar de ser fiel a la visión de semejante proyecto, parece inyectar sabia nueva con cada disco que publica. Un álbum que estoy seguro que costará mucho a aquellos que se aferren a los discos más blakmetaleros de Thy Catafalque, pero encandilará a aquellos seguidores de espíritu aventurero y miras más amplias. Lo escrito, un álbum grabado para el deleite más gourmet, con sabor a gulash pero apto para cualquier amante de la buena música.

Crítica: Fit For An Autopsy “The Nothing That Is”

Estoy suscrito al boletín de todas las discográficas que conozco, y no son pocas. También las sigo en redes sociales, además de a las propias bandas, los músicos por separado, a productores, artistas gráficos, roadies e incluso parejas o amigos, y no porque sea un stalker sino porque disfruto viendo a mis artistas favoritos en casi cualquier faceta de su vida (mientras ellos lo compartan, claro). Y, sin embargo, el algoritmo de la vida me ha fallado y el nuevo álbum de Fit For An Autopsy, “The Nothing That Is” (2024) ha pasado desapercibido, como si los duendes que hacen que mi móvil y ordenador funcionen hayan decidido unilateralmente no mostrarme apenas información de este disco, evitando que lo escuche. Si yo fuese el responsable de la promo de Fit For An Autopsy, me lo haría mirar, no es posible que un álbum que se ha publicado en octubre, no haya sido noticia y estemos en diciembre descubriéndolo. Por otro lado, he de reconocer que mi primera impresión en sus primeras escuchas ha sido una completa decepción. Puede que esto que acabas de leer haga que cierres ahora mismo esta ventana en tu navegador, pero también espero que leas esta reseña hasta el final porque, aunque no se trate de “The Great Collapse” (2017) o "The Sea of Tragic Beasts" (2019), debo admitir también que “The Nothing That Is” (2024) sí que es un álbum que crece con cada escucha, lejos del tópico.

Y es que las canciones de este álbum pueden carecer del gancho de las anteriores, y también es verdad que, en conjunto, puede parecer que la banda ha suavizado su sonido de manera intencional, al igual que siento que han ido a piñón fijo, sin complicarse demasiado, repitiendo su propuesta para asegurarse el éxito, limando las aristas de aquellos pasajes más afilados. Y es aquí que me planteo el eterno dilema; ¿Fit For An Autopsy han almibarado su receta para llegar a un público mayor o, por el contrario, este es el motivo de que hayan llegado a más gente? Momentos como “Hostage”, “Spoils of the Horde” o “Saviour Of None / Ashes of All” son lo peor del album, cuando Fit For An Autopsy nos hacen creer que son una versión domesticada de los mejores As I Lay Dying (escrito con toda la ironía del mundo), a base de riffs mediocres, letras muy flojitas y la sensación de que podrían haber sido descartes de sus dos mejores discos. Como “Lust for the Severed Head” y “The Silver Sun” tampoco están a la altura, comparadas con las mejores composiciones de “The Nothing That Is”, pareciendo unos Fit castrados y fuera de lugar, intentando parecer lo que no son.

Dicho esto, cinco canciones de diez sigue siendo una buena media, Fit For An Autopsy suenan auténticamente demenciales en el álbum, el nivel técnico es asombroso y, aunque en algunos momentos, esto pueda restarle frescura a esa naturaleza salvaje tan característica suya, pero resulta innegable que “Weaker Wolves” golpea con el doble de fuerza que las mencionadas o “The Nothing That Is” posee un groove contundente fusionado con deathcore en la justa medida, Badolato está soberbio y la tripla formada por Pat, Will y Tim conforman una máquina difícil de igualar en el panorama actual, algo que se demuestra en “Lurch”, tras esa introducción y la tormenta eléctrica que desatan, como “Lower Purpose” es un single en toda regla que demuestra la capacidad de la banda para impactarnos en la boca del estómago. Pero si la anterior funciona como una bomba, “Red Horizon” es el clímax gracias a su dinámica y aunque la letra no pueda ser más tópica, si se sostiene es por la base musical y la garganta de Badolato, conformando un álbum de contrastes; en las que las mejores canciones brillan con luz propia, mientras que el resto deslucen un disco que podría haber sido infinitamente mejor y quizá no esquivarme o, por lo menos, mantener su relevancia a tan sólo dos meses de haber visto la luz. Quizá el algoritmo de la vida y el conocimiento de su publicación me haya esquivado por algo y los duendes sepan algo más que un servidor…

Crítica: VOLA “Friend Of A Phantom”

VOLA podrían considerarse como una de las joyas del metal progresivo de los últimos diez años, con varios discos repletos de canciones inteligentes, técnicas, creativas y pegadizas, que publican con precisión suiza cada tres años, cumpliendo este 2024 con “Friend of a Phantom”, que es el resultado de una propuesta que prometía un enfoque renovado en la composición y alcanzar la madurez. VOLA nacieron en los estertores del djent, con una tendencia hacia el progresivo y la aventura, su debut ”Inmazes” (2015) fue uno de los discos más aclamados de aquel año y sentaba un precedente para sus próximos discos. Melódico y lleno de estribillos repletos de riqueza, con aires de pop futurista ochentero, pero siempre con la vista puesta en el metal progresivo de vanguardia. Y es que una de las cualidades de VOLA es su habilidad para el mestizaje de subgéneros, absorbiendo metal progresivo, electrónica y djent con la accesibilidad por bandera como aglutinante y evitando, al mismo tiempo, la repetición gracias a su constante evolución. ”Inmazes” (2015) fue un debut impactante, por supuesto, mientras que “Applause of a Distant Crowd” (2018) profundizó en cada aspecto de aquel para crear un álbum más valiente y “Witness” (2021) se inclinó hacia la electrónica. Sin embargo, “Friend of a Phantom” (2024) parece mostrar algunos signos de estancamiento creativo, sonando, por primera vez, como el anterior, rompiendo con esa tendencia de la que parecían hacer gala.

El principal síntoma de ello es que, además de tomar apuntes de “Witness” (2021), este álbum es menos divertido o accesible que los anteriores, no hay ninguna canción que contribuya de manera notable a la carrera de la banda. “Break My Lying Tongue” destaca como el momento más enérgico, pero el groove de la canción se siente menos robusto que en otras ocasiones, como ocurre con “Cannibal”, en la que colabora Anders Fridén de In Flames para reforzar las voces y la segunda estrofa, pero la mezcla queda desdibujada cuando la melodía de la voz o las guitarras pierden peso, por no mencionar los teclados. Por lo menos, “Break My Lying Tongue” y “Cannibal” son fáciles de digerir, se disfrutan y parecen intentar dar en el blanco, lo que no ocurre con “We Will Not Disband”, “Glass Mannequin” y “Bleed Out”, la primera suena excesivamente domesticada, mientras que “Glass Mannequin” rompe demasiado el disco con su naturaleza etérea, además de no terminar de llegar a ningún lado, y “Bleed Out” empacha entre la producción, los coros y el sintetizador, dando la sensación de que vacilan e intentan probar demasiadas cosas en tan sólo seis minutos.

Me gusta el riff de “Paper Wolf” porque parece elástico junto con el derroche de optimismo en el coro, funcionando a la perfección, además del trabajo en las guitarras de “Hollow Kid” (e incluso el riff de apertura de “We Will Not Disband”), pero la impostada languidez en "I Don't Know How We Got Here" o “Tray”, acompañadas de los errores anteriormente citados, logran que “Friend of a Phantom” (2024) no sea mi disco favorito de los daneses cuando, sin sonar mal, nada termina de convencer y la pesadez ha dado paso a las texturas y canciones de menor calado. No es un mal álbum, es rico en detalles, pero carece de la magia de sus títulos anteriores y eso ya es decir mucho para una banda que siempre miraba al futuro y, sobre todo, te alegraban el día; es acabar de escuchar “Tray” y querer cortarme las venas con otro clon de los últimos Katatonia. Espero que no tiren por ahí...

Crítica: Marilyn Manson “One Assassination Under God - Chapter 1”

Vivimos tiempos extraños, muy extraños, tanto como para condenar a alguien desde el salón de nuestra casa o asegurar que un artista ha regresado por todo lo alto, tan sólo por haber perdido peso. Es cierto que Marilyn Manson ha publicado un disco ligeramente aceptable, pero sólo eso. ¿De verdad que alguien puede creerse que el mejor Manson ha vuelto con "One Assassination Under God - Chapter 1" (2024)? Quiero creer que cuando era escupido en las dos noches de la gira "Antichrist Superstar" (1996) que presencié, no estaba ninguno de esos que escriben semejante estupidez compartiendo pista conmigo. Repitiendo con Tyler Bates, Manson ha grabado canciones correctas para este disco pero, claro, es que lo tenía muy fácil porque, le guste o no a cualquiera que lea esta reseña, “Holy Wood (In the Shadow of the Valley of Death)” (2000) era su último disco mínimamente aceptable, porque, entre “The Golden Age of Grotesque” (2003) y “We Are Chaos” (2020), sólo existe el auténtico horror; el de un tipo que fue degenerando, completamente perdido, sin norte y cuyo único intento de corregir la trayectoria, “The Pale Emperor” (2015), se quedó en agua de borrajas. Sin embargo, tras las acusaciones y su cancelación, Manson ha perdido peso y es lo único que parece importarles a sus seguidores que, cuando escuchan “Nod If You Understand” con ecos de “Little Horn” en su estribillo o “Raise The Red Flag” con ese comienzo interrumpido de "Angel With the Scabbed Wings" y la vigésima evocación de “The Beautiful People” en la síncopa de “Sacrilegious”, les hace creer que Brian Warner ha regresado, cuando nada de eso. "One Assassination Under God - Chapter 1" (2024) es tan sólo una copia de sí mismo, de aquello que sabe que funciona, repleto de tópicos en sus poses, vídeos, sonidos ácidos y punzantes, acompañados de una banda solvente pero plana con Bates a la guitarra y bajo, Sharone a la batería, Lola Colette en el piano y Maxwell Urasky en los sampleados y sintetizadores. Grabado en Los Angeles, en los estudios The Abattoir, por Bates y Carranza, "One Assassination Under God - Chapter 1" (2024) es lo que el público quiere, Manson sabe y sirve, como si fuese Elvis en el mítico Comeback Special del 68, sólo que aquí todo es de mentirijilla, suena mejor que en discos anteriores, pero dista de su momento de gloria y, desde luego, no es el mejor Manson como muchos aseguran en redes. Pero es que a esos deberías dejar de hacerles caso…

“Man That You Fear” pasado por el paisaje de sintetizador de Urasky da a luz a una canción como "One Assassination Under God", buen comienzo para un álbum, una letra repleta de caminos comunes y Manson correcto en la tarea vocal pero, aun así, resulta y es un buen comienzo, al igual que la guitarra de Bates en "No Funeral Without Applause", el problema es que la canción no está a la altura de semejante crescendo, evidenciando el dilema compositivo del último Manson; acierta a medias, hay buenos momentos pero todos aislados y sin terminar de convencer en su conjunto, como ocurre con la efectista “Nod If You Understand”, su pésima letra, el autoplagio en el estribillo, y la repetición de esquemas en “Sacrilegious”, sonando Manson plenamente domado. En "As Sick as the Secrets Within" ocurre lo mismo que en "No Funeral Without Applause", el riff de apertura me parece magnifico pero la canción se convierte en un medio tiempo en lugar de estallar, mientras que experimentos como "Death Is Not a Costume" habrían acabado convertidos en descartes o colaboraciones para películas en los noventa, y una idiotez pop como "Meet Me in Purgatory" o la aburridota "Sacrifice of the Mass" para cerrar se hace eterna cuando, por ejemplo, carece de la belleza de “The Speed Of Pain”.

Otra cosa que me sorprende es la inocencia que desprenden algunos en la red; “mientras sea inocente, seguiremos escuchándolo”, me encanta cuando la moral se antoja caprichosa, ¿por qué no lo hacen ya? ¿Dónde cojones estaban todos estos en sus giras de los noventa? ¿Pensaban que todo lo que rodeaba a Manson era tan de mentirijilla como la tinta roja con la que simulaba sus cortes en escena? (que nadie me lo cuente, lo vi en dos ocasiones con mis propios ojos en el año 96, en dos salas, a escasos dos metros de mí). Manson podrá ser un buen o mal compositor, haber parasitado a Reznor o haberse aprovechado de sus compañeros de banda pero es innegable la importancia de discos como “Portrait of an American Family” (1994) y su obra maestra, “Antichrist Superstar” (1996), lo que no quita para que me siga pareciendo un buen pedazo de mierda como persona; sea o no inocente de los últimos cargos. ¿En qué me baso? Muy fácil, cuando le estuvimos esperando en el 96, se ofreció a firmar un disco a cambio de la mamada de la novia de mi colega y cuando repetimos en el 98 y sorprendimos a la banda entrando en la prueba de sonido, uno de sus guardaespaldas hizo volar de un tortazo a otra amiga. Tenga en cuenta el lector que éramos adolescentes y, a estas alturas, ni me quejo, ni me sorprende, aquí no hay lloros, pero Manson es lo que es. Si me limito a lo estrictamente musical, su música desde 1998 es una auténtica nadería, le pese a quien le pese.

Crítica: As I Lay Dying “Through Storms Ahead"

¿Qué es lo que más me sorprende del nuevo álbum de As i Lay Dying? Puede que el que “Shaped by Fire” (2019) fuese un regreso tan potente que, ahora que ha pasado el tiempo, entiendo que semejante ensoñación fue una carambola por la que la banda tuvo más peso que el propio Lambesis. Sin embargo, ¿no es esa misma banda la que comparte el peso en este último y desastroso disco? ¿Acaso hemos sido todos tan inocentes con un subgénero que ha copiado la fórmula de At The Gates atiborrándola de esteroides? (y no hay ni un ápice de ironía en mis palabras). Es verdad que ahora es fácil criticar todos esos discos, incluso la actitud de Lambesis pero que nadie se olvide de que, a pesar de todos los defectos, y su actitud ante la desbanda que As I Lay Dying han sufrido con el abandono de Phil Sgrosso, Ken Susi, Ryan Neff y Nick Pierce, aquí los responsables somos toda la clase; los músicos implicados, Lambesis y nosotros por creernos que el golpe de suerte que fue “Shaped by Fire” (2019), su mejor disco desde “An Ocean Between Us” (2007), era algo más. Escuchar “Through Storms Ahead” (2024) es una experiencia lamentable cuando no hay nada significativo, las melodías parecen recicladas, los coros tienen exceso de azúcar, Ryan no está en su mejor momento y Lambesis parece haber envejecido de manera prematura cuando se resiste a abrazar la mediana edad y, lejos de la actuación, cree ser el mismo de “The Powerless Rise” (2010), ni siquiera vocalmente se le siente pleno y su labor se limita al gruñido. Sgrosso produce el álbum y todo el que lea esta crítica y lo escuche estará convencido de que suena potente, de que es toda una agresión, pero es sólo estética; la voz gruesa o los potentes riffs enmascaran canciones con pocas ideas, empachosas y repletas de tópicos, con unas letras propias de instituto, con dramones a medio camino entre la crisis existencial del acné y el narcisismo más absoluto de un hijo único. El más espabilado me querrá corregir; “hay muchas otras bandas a las que les laméis el culo y hacen lo mismo”. Claro, cariño, pero ahora estoy escribiendo sobre As I Lay Dying, si para relatar la mediocridad de “Through Storms Ahead” (2024) tengo que citar a una centena de artistas, apaga y vámonos.

“Permanence” quiere engañarnos como introducción acústica, para pasar a la brutalidad de "A Broken Reflection", directa y agresiva, pero como “Burden”, se apoyan demasiado en la voz limpia de Ryan, mientras Lambesis grita para conservar el contraste y Sgrosso o Sussi se reparten las guitarras para darle un ritmo trepidante. “We Are The Dead” con Alex Terrible es un auténtico horror, suena artificial y, como ocurre en los peores momentos de muchas bandas de metal, termina perdiendo la gracia cuando parecemos estar escuchando a un personaje de Barrio Sésamo, en lugar de a un vocalista; falta definición, abuso de efectos y compresión en una canción sin originalidad, que parece un plagio de sí mismos. “Whitewashed Tomb” suena frenética y quizá se la más agradecida entre auténtico relleno como “Through Storms Ahead” o “The Void Within”. “Strength To Survive”, que carecen de la carga emocional de Killswitch Engage y abusan, de nuevo, de la melodía y el empacho, algo que parece repetirse en los coros de “Gears That Never Stop” o “The Cave We Fear To Enter”, en un álbum en el que lo pegadizo pierde su cualidad como piropo cuando se siente tan forzado e incluso cuando los estribillos funcionan se sienten irritantes, "Taken From Nothing".

“Through Storms Ahead” (2024) es un disco gafado desde su gestación, con una campaña lastrada por las deserciones y la incompetencia de Lambesis para gestionarla, la constatación de que lo que escuchamos en el álbum es una banda a la deriva. No se trata de que mi juicio o el tuyo se vea teñido por los acontecimientos, es que es un álbum que parece escrito para nostálgicos de lo que As I Lay Dying fueron durante un breve periodo de tiempo en un contexto turbio en el que, además, las expectativas tras “Shaped By Fire” (2019) lo matan por completo. Lambesis parece atrapado en una época que ya pasó y no volverá, en la que no sólo los músicos se han largado sino también sus musas. Nunca el nombre de una banda fue tan apropiado…

Crónica: Dream Theater (Madrid) 17.11.2024

SETLIST: Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper/ Act I: Scene Two: I. Overture 1928/ Act I: Scene Two: II. Strange Déjà Vu/ The Mirror/ Panic Attack/ Barstool Warrior/ Hollow Years/ Constant Motion/ As I Am/ Night Terror/ Under a Glass Moon/ This Is the Life/ Vacant/ Stream of Consciousness/ Octavarium/ Act II: Scene Six: Home/ Act II: Scene Eight: The Spirit Carries On/ Pull Me Under/

He visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar de nuevo una canción como “Octavarium” en directo, brillar los ojos de Petrucci en sintonía con la banda, a Portnoy dirigir a toda la pista con su baqueta como batuta, mientras esta cantaba los riffs de sus canciones, y también a esa misma baqueta ser arrojada a un roadie, por diversión, en el lateral derecho del escenario, para este volver a tirársela al batería que, para mi sorpresa, la recogía en el aire sin perder el tempo de la canción de una de las bandas más famosas del metal progresivo. También he visto a Labrie hacer algún que otro gallo (nada nuevo bajo el sol), pero esto no puede opacar de ninguna manera el regreso de Portnoy a la banda de su vida, en una gira que está siendo un auténtico éxito en la venta de entradas como no se veía desde más de una década, justo desde que este abandonó Dream Theater. Pero seamos justos, la etapa con Manigini sigue brillando con luz propia, es un magnífico batería que grabó cinco discos (algunos más acertados que otros, todo hay que decirlo) pero al que no se le puede culpar de los fracasos de la banda (como el auténtico sinsentido que es “The Astonishing” de 2016) o de la falta de carisma que sí derrocha Portnoy. ¿Cómo explicar algo que es del todo intangible y sólo se puede sentir? Sobre el papel, Mangini es un gran batería, técnico y con pegada, capaz de tocar en una banda tan exigente como Dream Theater pero Portnoy es el corazón de esta y cuando se sienta tras los platos y lo escuchas jalear al resto, mirar y dirigir el cotarro, pegar como un loco y, además, disfrutar y bromear, es cuando entiendes que eso que exuda no lo podía suplir Mangini, más que con su profesionalidad y, aún así, no era suficiente.

No era mi primera vez con la banda (aquella gira compartían cartel con Opeth, hace muchos, muchos años), para muchos seguidores sí, y está bien que sea así y se desteten con Portnoy, el morbo estaba servido, la formación de Dream Theater al completo, celebrando su aniversario y con un nuevo álbum bajo el brazo, a puntito de salir a la luz, la excitación en el ambiente era palpable; largas colas que avanzaban con lentitud y conversaciones de todo tipo. Por suerte, pude estar con la banda al completo, fue breve pero intenso, uno de los seguidores le dio la bienvenida a Portnoy y le dijo que se alegraba por él, a lo que el batería contestó con cierta ironía; “el que se alegra soy yo, por vosotros”, al igual que Labrie respondió a otro, mientras le firmaba “Octavarium” (2005), cuando este le deseaba que disfrutase del concierto; “disfrútalo tú, para eso estamos aquí”. Y es que acercarse a Dream Theater, en persona, impone cierto respeto, son músicos trabajadores y profesionales, pero también están tocados por la varita de la genialidad. Querer que Ruddess o Myung te firmen un álbum o se hagan una foto es lo normal, fuera de eso, son lo más parecidos a extraterrestres. Esta gira de aniversario recalaba con una única fecha en nuestro país (por el momento, hasta que el nuevo álbum se publique y pasen de nuevo), con la intención de repasar toda su carrera, pasando incluso por la época de Mangini, aunque fuese de manera breve y, a mi gusto, no con su mejor representante.

Un escenario sin demasiado adorno pero funcional y la banda tomando sus puestos tras la consabida introducción y el clamor por Portnoy, da paso a “Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper” de “Images And Words” (1992), demostrando la clara intención de Dream Theater de ir a por todas en un repertorio en el que la única pega que puedo tener, además de “Barstool Warrior” frente a otras ausentes, es lo estático de este. Nada que uno no pueda olvidar con “Act I: Scene Two: I. Overture 1928” y “Act I: Scene Two: II. Strange Déjà Vu”, la ejecución es perfecta, no puedo decir menos. El sobrio Myung forma un tándem magnífico con Portnoy, mientras que Ruddess despliega su magia en las teclas. Produce auténtico placer verlos sobre el escenario.

Aunque conociésemos el repertorio con antelación, la sorpresa de “The Mirror” no pierde impacto, al igual que volvemos a recuperar a los Dream Theater más encabronados con “Panic Attack”, como ocurre con “As I Am”. “Hollow Years” y “Constant Motion” dejan libertad absoluta a los músicos para navegar y disfrutar, aunque calmó los ánimos hasta su segunda parte con la resurrección del nuevo single, “Night Terror” y, más aún, con “Under A Glass Moon”, coreada por toda la plaza (un lugar con una acústica horrenda para un concierto), como disfruté muchísimo con “Vacant” y “Stream Of Conciousness”, acompañada de unos visuales magníficos y la banda ya caliente y engrasada. “Octavarium” fue una de las más celebradas y lo entiendo a la perfección porque daba la sensación de que el tiempo no hubiese pasado o como si tuviésemos de vuelta a los Dream Theater que todos habíamos conocido, mientras que, para finalizar, llegó el momento de “The Spirit Carries On” y la consabida “Pull Me Under”, que es un final a la altura pero, en su lugar, es un cartucho que habría disparado mucho antes. Más de dos horas de concierto que, sin embargo, supieron a poco.

La sensación es de victoria, tanto para ellos, como para su público. Pero, pasada la euforia, lejos de las horas posteriores al concierto, surgen las dudas. ¿Habrá continuidad? ¿Será “Parasomnia” (2025) el primero de muchos capítulos por llegar? ¿Es posible que Dream Theater entiendan que Portnoy es un músico con la necesidad de explorar y colaborar con otros artistas? ¿Que la relación, parece ser que envenenada, con Labrie se haya restaurado? ¿Calentará Mangini por siempre el banquillo o volverá a la palestra? Dudas lógicas tras la felicidad de verlos de nuevo sobre el escenario, dudas de aquel que quiere prolongar la excitación, de aquel que ha visto comunión absoluta en el escenario y ver de nuevo volar la nave más allá de Orión.

Crítica: Opeth “The Last Will and Testament”

Cuando comienzas a escuchar música de manera más seria (no sé si debería delimitar esto que acabo de escribir, quizá sí, pero no es el momento), piensas que no tienes ni idea de nada, frente a esos otros; poseedores del conocimiento, que lo reparten rácanamente en persona, pero con fruición en redes sociales. Cuando llevas ya un tiempo escuchando música y tus necesidades son otras, cuando ya comienzas a empezar a entender algo o creer que es así, es entonces y sólo entonces, cuando te das cuenta y sabes que todos esos no tenían la menor idea de lo que decían y siguen sin saberlo. A Mikael Åkerfeldt tiene que pasarle algo similar y sentir una frustración enorme que imagino que supera con gran sentido del humor y mejores dosis de pasotismo, cuando parece señalar la luna y el noventa por ciento del público ve sólo su dedo. ¿Cómo es posible que haya compuesto un álbum como “The Last Will and Testament” (2024) y la mayor anécdota de su single sea si vuelve o no a las voces guturales? Que sí, tío, que no tienes ni idea, que sólo es el meme, el chiste, claro que sí, pero es algo tan persistente que ya ha dejado de tener gracia y apesta a rancio en una carrera que supera los treinta años y la docena de álbumes, de una banda que demostrado estar envuelta en una incesante búsqueda, un progreso que nos ha llevado a todos en un viaje; desde el death metal, al rock, al folk e incluso a retazos de jazz (reto a cualquiera a hablar de jazz y que me explique, de manera consecuente y fundamentada, por qué sí y por qué no, de verdad, sin malos rollos), siendo algo tan fascinante como la calidad a la que nos han acostumbrado.

Y nos encontramos finalizando el año, con un nuevo disco de Opeth que se sitúa ya entre lo mejor, sino el mejor álbum con permiso de Blood Incantation, y también en los puestos más destacados de su propia carrera. Parto de la base de que, para colmo, he tenido la inmensa suerte de haber podido disfrutar de este disco como promocional digital, con tiempo suficiente para escucharlo, con excelente calidad y, además, debo añadir a esta humilde reseña, que también lo he recibido en formato físico, completamente gratis y de manera sorprendente, con una postal firmada por la banda. ¿Qué más puedo pedir? Lo que me lleva a la conclusión de la seguridad aplastante que los suecos tienen en su lanzamiento, la certeza de haber grabado un gran álbum y sus ganas de darlo a conocer al mundo, tras esos cinco años que median entre “Cauda Venenum” (2019) y su larguísima gira, además de la presentación de Waltteri Väyrynen tras los parches en un disco conceptual (bien explicado, además de por la narración de las canciones, gracias a la historia incluida en el formato físico), el primero desde “Still Life” (1999).

Sin embargo, a pesar de que muchos crean que el nuevo álbum de los suecos es un regreso al death, a causa de las dichosas voces guturales, nada de eso. “The Last Will and Testament” (2024) es un paso adelante, un álbum oscuro, con momentos más aguerridos y cercanos al metal que practicaban Opeth, sólo porque la historia lo demanda en la oscuridad del testamento y la voluntad del protagonista así lo requiere, pero conservando más el espíritu de “In Cauda Venenum” (2019) que el de “Blackwater Park” (2001), para que ustedes me entiendan, más próximo al dramón progresivo de “Ghost Reveries” (2005) o “Watershed” (2008), cuando “§2” contiene la fuerza necesaria pero no la agresión, un gran groove que soporta la narración y una atmósfera cargada de teclados, gracias a Joakim, como una tormenta, además del excelente trabajo de Waltteri y, claro, Martín, además de la ayuda de Joey Tempest (Europe), magníficamente encajado, mientras que “§1” es una auténtica maravilla, ¿quién podía esperarse que el nuevo álbum de Opeth incluyese a Ian Anderson de Jethro Tull haciendo las veces de abogado corrupto y un reyezuelo interpretado por el propio Åkerfeldt? Ni en nuestros sueños más húmedos nos podríamos haber imaginado a los Opeth actuales cediéndole el protagonismo a Anderson leyendo el testamento en “§7” y salpimentando su colaboración gracias a su eterna flauta o a Åkerfeldt desvelando el desenlace de la historia y el lógico engaño en “A Story Never Told”. Por cierto, qué complicado me está resultando escribir sobre “The Last Will and Testament” (2024) sin hacer ningún spoiler de la historia (para que luego no me escriban los típicos llorones o los que me han pasado el promo, después de hacerme jurar con sangre para que no ‘desbarate’ nada y no publique este texto, a pesar de que ya circula por decenas de webs otros con menor calidad, sin duda) y que esto no afecte a la experiencia de cualquiera que escuche las canciones. ¿De verdad se puede reseñar un disco así? Con lo sencillo que es escribir sobre “The Wall” (1979), cuando la historia pertenece al inconsciente colectivo.

"§4" y "§5” soportan el peso central del “The Last Will and Testament” (2024) y, de nuevo, Mikael y Fredrik son los que aderezan la base rítmica de una banda que suena como un motor a reacción, a medio camino entre el progresivo y el metal, mientras que en una hay folk en el puente, la dinámica de "§5” en los constante bandazos de Opeth son los que tiñen los estados de ánimo necesarios para encarar la impredecible "§5” y la solemne "§7”. Si te parece que lo que estás leyendo es demasiado abstracto, sólo te puedo pedir que lo hagas mientras suena el álbum y entiendas que las canciones, aunque todas magníficas, sólo se pueden entender como un todo. Claro que puedes escuchar “§1” y alucinar con el nivel de Opeth o la potencia de sus riffs, así como los diálogos entre Anderson y Mikael a lo largo del álbum, pero esto es lo más parecido a una novela; puedes leer fragmentos, pero la historia lo es todo. Siendo quizá "§1” y "§2”, o "§7” las que definen “The Last Will and Testament” (2024) junto a ese magnífico final que es “A Story Never Told”.

Una obra maestra, con o sin guturales, con una banda en estado de gracia, Mikael desatado, las magníficas colaboraciones de Joey Tempest (que sobre el papel parecía una excentricidad pero que en la práctica derrocha buen gusto por parte de ambos) la, quizá más lógica, de Ian Anderson, magnífico en su papel, y el desafío que plantea “The Last Will and Testament” (2024) gracias a una producción exquisita en unas canciones al servicio de la historia. Para mí es un sobresaliente en toda regla, otro golazo de Opeth y un paso más hacia a la eternidad. Escucharlo produce auténtico placer, de verdad.

Crítica: Linkin Park “From Zero"

Entiendo el debate, como también soy tan sincero como para posicionarme e intentar no caer en la crítica fácil; ni Emily Armstrong es tan mala (aunque tenga la misma presencia escénica que un apio), ni creo que la banda tenga que dormir el sueño de los justos tras la pérdida de Chester. Nunca me he considerado un fan a muerte de Linkin Park, a pesar de que compré “Hybrid Theory” (2000) en su día, estuve en la gira de “Meteora” (2003) -por cierto, menudo sonido de mierda que lucieron en Madrid hace más de veinte años, no sé si muchos de sus seguidores actuales de verdad matarían por estar en ese desbarajuste-, he pasado por caja con sus discos y en la última gira con Chester, de las dos oportunidades que tuve, en el último concierto me fui antes de tiempo, completamente aburrido. Esto no se trata de los que "estuvimos antes" y los que están ahora pretendiendo hacernos creer que Linkin Park es el grupo de sus vidas porque, a excepción de aquellos que han perdido la oportunidad de verlos en directo con Chester, la muerte siempre genera una mitología, una leyenda a la que es fácil aferrarse. Lo cierto es que Linkin Park, cuando publicaron “Hybrid Theory” (2000) eran mirados con desprecio por toda la comunidad del rock y el metal, algo que los acompañó -de una manera u otra- hasta su final con el polémico “One More Light” (2017) y ahora, en cierta forma, en su renacer junto a Emily. ¿Había mejores vocalistas? Por supuesto. ¿Deben seguir? Que hagan lo que quieran, si a Shinoda le hace feliz resucitar el nombre de la banda y girar con nuevas canciones, ¿quiénes somos nosotros para prohibírselo? Otra cosa muy diferente es si están a la altura. Lógicamente no, Linkin Park no luchan contra otros grupos similares, como ocurría a primeros de los dos mil, y tampoco contra sí mismos y sus mejores discos, “Hybrid Theory” (2000) y “Meteora” (2003), sino contra la nostalgia y eso, amigos míos, es una auténtica putada.

“¿Desde cero? ¿Como desde la nada?” -se pregunta Emily Armstrong, de manera completamente forzada, y unos segundos después comienza el octavo álbum de estudio de la banda, “From Zero” (2024) y su primer single, “The Emptiness Machine”, la pregunta no solo alude al nombre original de Linkin Park, “Xero”, utilizado entre 1996 y 1999, sino al cambio, tras la muerte de Chester, a la necesidad de encarar de nuevo la vida. El problema no es el cambio de registro en las voces, entre Armstrong y Chester hay un abismo; el de ella es limitado, no tiene recursos ni la fuerza suficiente, Chester no era Rob Halford, tampoco le hacía falta, pero era capaz de cantar como la canción lo requería, su voz era un catalizador de sentimientos en sus inflexiones, subidas y bajadas, cambios de tono y convertir una emoción en un torrente. Aquí no se trata de darle la oportunidad a Emily, como si fuera una academia, es, simple y llanamente, que no posee ese don; podrá estar cantando veinte años más y no lo tiene, podrá versionar “In The End” o “Faint”, pero no será capaz de cantar una canción propia con un calado como el de Chester. Por ejemplo, “Overflow”, es monótona hasta decir basta y la rabia de “Two Faced” (heredera de “Hybrid Theory”, como un calco) o el plagio a “Meteora” (2003) en “The Emptiness Machine” y la pegadiza “Heavy Is The Crown”, con el sampleado sonando como una nueva versión de “Faint”, confirman que Emily no podrá nunca desarrollarse por estar relegada a versionar a Linkin Park, incluso en las nuevas canciones, todo un karaoke.

Otro punto negativo, además de la producción (punto que luego tocaremos brevemente), es la monotonía de algunas canciones, que muchos confunden con la genialidad de lo pegadizo. Está claro que si escucho dos veces, recordaré “Cut The Bridge” (mera copia de “Bleed It Out”) más que “La Villa Strangiato” de Rush, pero no podemos confundir la simplicidad de lo infantil con accesibilidad, el pop no es fácil, de hecho es un género muy complicado por la frugalidad de la genialidad y cómo se manifiesta en una canción, mientras que en otras ni las roza. Linkin Park en “From Zero” (2024) tienen la complejidad justa, sus canciones son básicas hasta la náusea, no hay esfuerzo alguno y parecen no ocultar que “One More Light” (2017) no era fruto de la evolución, como nos quisieron hacer creer, sino un experimento fallido, queriendo situar creativamente “From Zero” (2024) en su primera época, aunque ninguna de estas canciones llegue a la altura de “In the End” o “Breaking the Habit” y todas se sientan como el esfuerzo impostado de querer capturar el momento pasado en una botella, cuando las canciones nacían sin esfuerzo alguno. La broma de Shinoda preguntándole a Emily si puede ponerse los pantalones para berrear en “Casualty” define el momento tan ridículo que nos toca vivir y que cala en Linkin Park, como reflejo de una sociedad estúpida y profundamente mema. Sin embargo, la culpa de “From Zero” (2024) no es de Emily Armstrong y sí de Shinoda. Canciones como “Over Each Other”, quizá la mejor del conjunto, cuando Linkin Park no pretender ser quienes hace más de una década que no son, queda diluida cuando escuchas “Overflow” (que podría ser un descarte de “One More Light”), el relleno que es "IGYEIH", que habría sonado ya rancia en plena época nu metal, o esa final “Good Things Go”, en un álbum en el que Shinoda recupera el fraseo pero tan melódico que pierde el impacto de “Hybrid Theory” (2000) y “Meteora” (2003), acercándolos a una versión aún más castrada de Twenty One Pilots.

Dejo a un lado la polémica de Emily con la cienciología y su relación con Danny Masterson, los mensajes de Cedric Bixler-Zavala en redes, los lloros por Chester y el gritito histérico de esos seguidores que se tatuarían el logo de “From Zero” (2024) en la nalga derecha cuando ni siquiera lo habían escuchado. El álbum es un auténtico artefacto para pasar por caja y salir de gira, la producción es un horror; a tope de volumen, plana, con la batería de Colin en primer plano en muchas ocasiones y sonido a lata en la caja, el bajo de Farrell perdido en la mezcla, las guitarras como puro relleno y la voz de Emily sonando artificial, con momentos sonrojantes, como ocurre en la mencionada “Casualty” y los constantes ripios y chistes de Shinoda a modo de indirectas dirigidas a todos aquellos que él mismo sabía de antemano que criticarían la elección de su vocalista, las nuevas canciones y el rumbo de la banda. Lemmy dijo que si te sentías viejo para el rock es porque, seguramente, lo eras pero es la primera vez que me ocurre lo contrario; siento que la banda que estoy escuchando se ha hecho mayor y, como el señor Burns en Los Simpsons, se han puesto un gorrito de lana y una camiseta con una calavera para hacernos creer que son lo que ya no son. He sentido auténtica grima en algunos momentos, el mal empleado ‘cringe’, que ahora dirá Shinoda rondando la cincuentena.

Crítica: Sólstafir “Hin Helga Kvöl”

“Hin Helga Kvöl” (2024), el octavo álbum de los islandeses, se publica con todos los ingredientes que, en teoría, deberían capturar la esencia de oscuridad y melancolía por los que son de sobra conocidos. Sin embargo, a medida que avanza el álbum, queda claro que no es lo que muchos esperábamos o, por lo menos, en lo personal. A lo largo de sus cincuenta minutos, siento que falta algo, que carece de la solidez de sus últimos lanzamientos, oscilando entre momentos brillantes y otros que caen en lo más predecible y monótono. Y no es necesario que me remita a aquel que les dio a conocer a un público más amplio, como "Ótta" (2014), porque los recientes "Berdreyminn" (2017) o "Endless Twilight of Codependent Love" (2020) me entusiasmaron desde la primera escucha, pero algo ocurre con “Hin Helga Kvöl” (2024), que le hace sentir cojo. Abriéndose con "Hún andar" y un comienzo prometedor, que logra capturar la atmósfera envolvente y nostálgica de la banda a través de la voz y el susurrar de las guitarras en su introducción, hasta que la banda entra y parecemos estar escuchando a una muy diferente, mucha culpa de ello tiene la batería de Hallgrímsson y el enfoque de la melodía, cómo Austmann y Sæþórsson parecen seguirle, careciendo de la sensación inmersiva que caracteriza los trabajos de Sólstafir. "Hin helga kvöl", por el contrario, sí cumple con estas expectativas, recuperando su sabor más black, con blast beats y el trémolo de sus guitarras, añadiendo intensidad y negrura a la mezcla, un sonido más crudo y feroz que bien podría formar parte del clímax de un álbum que se despierta a la segunda canción, un homenaje a sus raíces que tanto me han emocionado en el pasado.

Sin embargo, a partir de aquí, “Hin Helga Kvöl” (2024) muestra la constante tendencia a desviarse hacia un terreno más complaciente y a dar bandazos. "Blakkrakki" se convierte en un hard rock que no resulta del todo efectivo, con voces rasgadas y un coro repetitivo, la canción carece de la profundidad que suele definir la música de Sólstafir, pecando de simplista. En otros momentos, como en "Sálumessa", la canción más extensa del álbum, Sólstafir parecen empeñarse en alcanzar una atmósfera melancólica similar a la de composiciones pretéritas, pero se siente algo forzado, cayendo en el aburrimiento y, mientras "Vor ás" nos ofrece un respiro, siendo uno de los momentos en que logramos sentir de nuevo el espíritu de los primeros álbumes de Sólstafir y el capricho de añadir una voz femenina aporta una textura interesante que recuerda el estilo acelerado de “Svartir sandar” (2011) pero no termina de cuajar, aunque celebre la incursión. Algo que no cambia mi percepción sobre la falta de cohesión de “Hin Helga Kvöl” (2024) y termina jugando en su contra, cuando tengo la sensación de estar escuchando un disco basado en descartes o con diferentes direcciones. Como también he de ser sincero, no me gusta la producción, aunque siento que intentan conservar su sonido más característico, crudo y atmosférico, la voz de Tryggvason está demasiado en primer plano, opacando algunos de los detalles instrumentales que son esenciales en la música de Sólstafir, basta tomar como ejemplo "Blakkrakki", donde afecta a la atmósfera general del tema. Y, por último, tampoco creo que el orden de las canciones ayude a la digestión, impidiendo que el disco parezca tener más cohesión y no un pastiche de ideas.

“Hin Helga Kvöl” (2024) no es un mal álbum, pero quizá les ha pasado factura el exceso de ambición, no logrando la grandeza de discos anteriores y mostrando su genialidad de manera fugaz. Para algunos será más que suficiente, pero para el resto, sabiendo de lo que Sólstafir son capaces, no colma las expectativas tras "Endless Twilight of Codependent Love" (2020).

Crítica: Grand Magus “Sunraven”

El metal siempre ha sido perfecto para abordar grandes historias y Grand Magus es una banda que encarna el espíritu y la esencia básica del género, por lo que su decisión de basar su décimo álbum de estudio, “Sunraven” (2024), en el poema legendario Beowulf, ambientado en la Escandinavia pagana del siglo V, tiene todo el sentido del mundo. La música de Grand Magus, llena de potencia y lirismo, refleja el dramatismo de historias heroicas como esta. La voz de JB Christoffersson transmite una profundidad y fuerza únicas y convierte a “Sunraven” (2024) en un proyecto ambicioso, con la promesa de una verdadera experiencia, logrando canalizar los temas heroicos de Beowulf con facilidad en un álbum característico de metal tradicional, pero en el que también se percibe que han encontrado el vehículo perfecto para expresar lo que la banda deseaba desde hace tiempo, cuando comienza a sonar “Skybound” con un coro imponente que captura la atención de inmediato y uno no puede menos que asentir con satisfacción, logrando que hasta la persona con menos capacidad para conmoverse pueda llegar a emocionarse con su música, al igual que en “Grendel” rinden homenaje al monstruo mítico del poema evocando la magia de los Sabbath de Dio (gracias al galope de Ludwig Witt), con una intensidad incomparable, siendo una de las canciones más auténticas del álbum.

Pero, aunque Grand Magus se enfocan en narrar una historia atemporal, “Sunraven” (2024) también funciona como una colección de himnos de metal, sin importar las crudísimas y conmovedoras letras de Christoffersson, conteniendo algunas de las melodías más potentes de la banda desde “Iron Will” (2008). Por ejemplo, “The Wheel of Pain” posee encanto blusero, con una línea vocal triunfal y una esencia agresiva más cercana a los Manowar de primeros de los ochenta, mientras que la canción que da nombre al álbum desprende poder con un solo de guitarra memorable que va directamente al corazón. Christoffersson luce revitalizado, con una voz imponente, riffs llenos de dinamismo y energía que canalizan influencias del NWOBHM, solos expresivos y llenos de sentimiento en donde las influencias de metal vikingo se hacen evidentes en canciones como “To Heorot”, mientras que, a nivel instrumental, Ludwig Witt ofrece un trabajo potente en la batería, con una intensidad inigualable y Fox Skinner lo complementa con una gran labor en el bajo y coros de apoyo, como si Grand Magus se hubiesen hipervitaminado para grabar un álbum que funciona como un crisol de influencias.

“The Black Lake” destaca como un ejercicio magistral de doom de la vieja escuela, mientras que el cierre del disco, “The End Belongs to You”, ralentiza el ritmo, como si fuese una marcha oscura pero decidida, que mezcla melancolía y tensión a partes iguales. De todo el conjunto, “Winter Storms” se siente especialmente reflexiva, evocando una noche sin fin bajo las estrellas escandinavas y, aun así, conserva el núcleo firme del metal clásico con un coro conmovedor que probablemente sea uno de los mejores en la historia de la banda. Treinta y cinco minutos apabullantes, sin relleno alguno (con canciones directas y al grano), repletos de heroísmo, epicidad y grandes estribillos. Me cuesta mucho escribirlo porque no me gustan este tipo de afirmaciones tan categóricas, pero “Sunraven” (2024) es el álbum que más he disfrutado desde “Hammer of the North” (2010). Grand Magus nunca se fueron, pero en este álbum lucen como si hubieran regresado por todo lo grande, derrochando energía y saber hacer. Una auténtica maravilla.